Hablamos con Rou Reynolds, vocalista y líder de Enter Shikari, sobre su nuevo disco ‘A Kiss For The Whole World’. Sin pelos en la lengua habla sobre experiencias personales traumáticas y dificultades que ha tenido que superar para hacer uno de los mejores y más positivos discos de Enter Shikari en años. Nos da tiempo a hacer un viaje hasta los tiempos de MySpace, hablar de sus bandas de hardcore favoritas, y de lo frustrante que se está convirtiendo vender merchandising durante las giras. Por Morpheus Misfit.
. Llevo unos días escuchando el nuevo disco ‘A Kiss For The Whole World’ y justo lo que la gente está comentando sobre los singles, es como la unión de los viejos y los nuevos Enter Shikari, es un híbrido interesante.
Si, es verdad. Supongo que es una progresión natural de nuestro sonido, pero con todo lo que ha pasado en los últimos años también se siente como un nuevo nacimiento, como un nuevo comienzo.
. Hablemos primero del arte del álbum. Habéis publicado en vuestras redes sociales una imagen más completa donde se puede apreciar con toda claridad de que se trata del bosque que aparece en la portada del disco ‘A Flash Flood Of Colour’ del 2012. Es un trabajo de vuestro colega Polygon1993, pero ¿Por qué ese bosque de nuevo? ¿Se trata de influencias de ese disco o de esa época de la banda?
‘A Flash Flood Of Colour’ fue el primer disco en el que sentamos las bases de nuestra visión particular del mundo. ‘Common Dreads’ y ‘Take To The Skies’ ya tenían algo de crítica social, pero en ‘A Flash Flood Of Colour’ desde la misma portada puedes ver lo que pensábamos que debía cambiar en el mundo. Esa estructura de triángulo donde está toda la riqueza y poder en lo alto, y el resto estamos al fondo en lo más bajo donde nos están oprimiendo y nos están abusando.
Luego las cosas cambian y la mayoría está en lo más alto, una especia de democracia real y no lo que hay ahora. Queríamos cambiar esa estructura, en estos tiempos y con este disco ha habido tantos intentos de progreso donde nos ponemos a hablar de estructuras sociales, economía, medio ambiente y las nuevas energías, pero seguimos encontrando infinidad de barreras y dificultades. Seguimos fallando en tantas cosas así que pensamos que estaría bien hacer un disco sobre la esperanza, sobre la motivación, sobre sentirse empoderado aunque el bosque se muestra claramente destrozado y en llamas.
El mundo ahora mismo es un sitio muy peligroso, la situación en la que nos encontramos asusta mucho, pero aún así podemos encontrar maneras de luchar, la esperanza siempre sobrevive y es lo que representa esa flor de fuego (Fire Lily) que es nativa de Sudáfrica. Es una flor que crece a los pocos días de haberse quemado un bosque o un terreno, donde la biología activa todo su poder para hacerla crecer. Representa el hecho de que siempre hay belleza, siempre hay esperanza, siempre hay ese sentimiento de que podemos unirnos y todos juntos cambiar las cosas a algo mejor.
. De hecho es un mensaje muy necesario ahora mismo, porque si ya había pobreza e injusticia en el mundo, en estos últimos años se unió una pandemia que destruyó muchas vidas. Es fácil sentirse deprimido con todo lo que está pasando, así que un mensaje positivo siempre viene bien.
A veces solo necesitamos un buen chute de positivismo. Es fácil caer en el nihilismo si pensamos en todo lo que está pasando en el mundo, porque piensas que no tiene sentido luchar ya que nada va a caer. Ese manera de pensar te hace ver solo por ti, en tu propio interés, y es justamente lo que quiere el sistema. El sistema quiere que seas egoísta, que solo pienses en ti y te sientas pequeño, que seas uno solo, pero el verdadero poder viene de cuando unos unimos, de cuando pensamos en comunidad, de cuando miramos por los intereses de la mayoría.
Somos humanos y siempre hemos trabajado en grupo, siempre hemos sido un colectivo, es por este motivo que los humanos han sobrevivido en la Sabana en África. No somos la especie más fuerte, más rápida o la más inteligente, hemos sobrevivido porque trabajamos bien juntos. Es el mensaje que queremos dar con el disco, y lo que el sistema siempre quiere que olvidemos.
. En cuanto a sonido el disco también tiene cambios y cosas muy interesantes. Vivo en España pero soy de Latinoamérica, así que cuando escuché ‘(pls) set me on fire’ por primera vez algo se activó dentro de mí, algo se sentía familiar, y es no se si son las baterías o el ritmo, pero suena a latino, a Caribe, incluso un poco a los ritmos cercanos al reggaetón. No se si fue algo intencionado o solo un accidente.
No, no fue un accidente (risas). Nuestro baterista Rob Rolfe es un apasionado de diferentes sonidos del mundo, y sí que hay algo de reggaeton en esa canción, así como el constante fluir del dance hall que hace que sea un ritmo muy interesante. Siempre intentamos escuchar la mayor cantidad de estilos posibles, nos encanta la variedad, y de esa manera lo podemos absorber todo para que salga en nuestra música.
. Los videoclips de los singles también son espectaculares, sobre todo el de ‘It Hurts’, pero es una locura lo que haces. Compones las canciones, cantas, produces los temas, haces la mezcla, eres tu propio sello discográfico, y ahora también diriges los videos. Debe de ser agotador pero imagino que no hay nadie mejor que tu mismo para sacar esa visión al mundo.
Bueno, hay todo un equipo detrás que me ayuda, pero es cierto que hago la mayor parte de las cosas. Quería empezar a dirigir los videoclips porque hay detalles en la música que luego no aparecen en los videoclips, ya que es normal que cuando te dirige otro director esa persona plasma su visión de lo que es tu música.
Suele funcionar muy bien, pero para este disco quería dirigir yo mismo los videos porque eso me permitía trasmitir el mensaje de manera exacta, ya que tenía bien visualizado como quería se plasmaran esos singles en imágenes. Nunca he estado tan contento con nuestros videoclips como ahora mismo, ha sido una experiencia totalmente gratificante.
. Las canciones que han salido como singles nos han levantado bastante el ánimo, son canciones muy energéticas y casi fiesteras, pero también hay otro tipo de canciones en el disco que parecen más personales y oscuras, como por ejemplo “Dead Wood” donde hay un par de minutos solo de cello y tu voz. Creo que solo todo el tono lo ponen las letras, que golpean bastante fuerte ¿Has visto una especie de exorcismo personal de tus demonios en canciones como ”Dead Wood”?
Todas nuestras canciones se basan en experiencias personales, pero esa es especial. “Dead Wood” habla de cuando intentas que el amor sea recíproco pero no lo es. Hay unas cuantas canciones aquí que hablan de amor no correspondido, cuando quieres mucho a una persona pero no te quieren de la misma manera. Por supuesto que he pasado por ello, pero también he pasado por la experiencia de estar con alguien y sentir que tus sentimientos hacia esa persona no son como deberían ser, que la relación no va bien porque no quieres tanto a alguien como te quieren a ti, así que pensé que sería interesante componer desde ese punto de vista.
Creo que la mayoría de las personas en algún momento de sus vidas han experimentado o experimentarán desde ambos lados de este amor, pero aunque no lo parezca también es bastante doloroso ser la persona que no ama como corresponde, que no es recíproca con su pareja, cuando alguien te importa mucho pero simplemente no la amas. Quería escribir sobre ello, porque mi experiencia personal en ese lado me llevó a pensar que nunca volvería a amar, que nunca volvería a estar en pareja, porque acabé una relación bastante larga que me dejó jodido. La parte final y épica de “Dead Wood” donde digo “ojalá me sintiese como tu te sientes” es justamente el resumen de lo que estaba viviendo y el dolor que sentía.
. La gente está muy feliz de ver que Chris vuelve a cantar en este disco, que tiene más partes como antes ¿Qué pasó para que vuelva a ponerse al micrófono?
Chris ha tenido unos cuantos problemas con sus cuerdas vocales en los últimos años, y también algún problema de audición, pero ha mejorado bastante en los últimos dos. Para mí es un alivio porque quería que cantase más, y ahora que lo puede hacer tanto en directo como en el estudio hemos decidido que vuelva por la puerta grande.
. Como decíamos al principio de la entrevista, mucha gente habla de los singles como una mezcla de los viejos y los nuevos Enter Shikari, y al escuchar el disco completo me da la sensación de que es así pero sobre todo en las melodías vocales y los sintetizadores. Hace que algunas partes de algunas canciones te recuerden a los primeros discos.
No ha sido algo planeado a conciencia, nunca lo es. Compongo lo que me dice mi instinto, pero sí que me he dado cuenta esta vez que todo lo que estaba saliendo para el disco tenía una vibra muy positiva, un ritmo muy rápido, era algo emocionante otra vez. Durante el confinamiento estuve un año y medio sin componer nada, había perdido la habilidad de componer y mi cabeza estaba en otro sitio. Creo que fue porque no estábamos dando conciertos, y la música en directo es el combustible para que te vengan ideas para componer.
Yo como compositor necesito esa conexión humana, un objetivo, así que cuando volvimos a dar conciertos me volvió esa habilidad para sacar estas canciones. Fue un gran alivio porque pensé que lo había perdido, pero las canciones han salido con mucha energía. En su momento no me di cuenta, pero ahora que las escucho si que puedo decir “vale, si que hay algo parecido aquí con lo que hacíamos hace 10 años”.
. Este año vais a tocar en el Furnace Fest de los Estados Unidos. Veo el cartel del festival y me lleva 20 años atrás en el tiempo, cuando estaba loco por ese tipo de bandas. Como pasa el tiempo, hace nada ‘Take To The Skies’ cumplía 16 años y recuerdo que 3 o 4 canciones del disco salieron en MySpace antes de que se publicase el álbum. Ahora MySpace ya no existe, pero la gente quiere seguir en este viaje nostálgico y coger un pedazo de su pasado.
Pienso muchas cosas al respecto, pero tienes razón (risas). Normalmente cuando la sociedad para por cosas turbias, como por ejemplo la crisis económica que estamos viviendo y tantas otras crisis, la gente quiere escapar hacia algo, y una de las cosas más seguras es escapar hacia nuestros recuerdos. De ahí viene la nostalgia, es algo que siempre ha pasado antes en el arte, y en momentos de adversidad uno siempre quiere revivir su infancia o su adolescencia. Es un tiempo donde tenían menos stress y tenían menos miedo de las cosas.
Por eso tienen tanto éxito este tipo de festivales, y es que tiene sentido querer escapar hacia un momento donde las cosas fueron mejores para uno. Yo pienso igual que tú, veo el cartel del Furnace Fest y me quedo con la boca abierta, el día en el que tocamos es impresionante. Yo personalmente estoy muy emocionado porque veré a Gorilla Biscuits por primera vez y me encanta, al igual que Youth Of Today que es una de mis bandas de hardcore favoritas. Nos reencontraremos con nuestros amigos de Thursday, también veré por primera vez a Head Automatica o Turnstile.
. Ya para terminar. Ahora que hablamos de los directos y salir de gira, quería saber que piensas sobre la nueva polémica en cuanto a la venta de merchandising. Muchas bandas que están saliendo de gira por Europa se quejan de las comisiones de 20% + IVA que tienen que pagar a las salas por vender su merchandising en los conciertos, a tal punto que muchas de ellas han decidido no vender merchandising en las giras. Bien sabrás que vender merch es algo fundamental cuando estás en carretera ¿Crees que las salas están haciendo algo mal o es simplemente como funciona la industria?
Creo que es ridículo el porcentaje tan alto que cobran por vender el merchandising, la única manera moral o ética de mejorar eso es reducir de manera dramática el porcentaje o darles a las bandas un porcentaje del dinero que se haga en la barra durante el concierto. Si lo piensas, la gente solo está consumiendo en el bar porque la banda está dando un concierto, sino no estarían allí. Eso tiene tanto sentido como quitarles a las bandas un porcentaje de la venta del merchandising.
Es algo muy frustrante, sobre todo para las bandas pequeñas. Mucha gente piensa que las bandas ganan mucho dinero haciendo giras, y es verdad solo si es tu gira, si tu eres el cabeza de cartel, pero si no lo eres solo te llevas un porcentaje muy bajo, así que la única manera de sobrevivir en esa gira es a través de la venta de merchandising. Es horrible sobre todo en las salas grandes, porque se pueden llevar hasta un 30% de comisión y te obligan a usar a alguien de su equipo para vender tu merchandising.
Eso hace que tengas que pagar a la persona que llevas de gira por un día libre, y que la persona que ponga la sala quizás no haga todo lo posible porque la gente compre una camiseta o un disco, porque no conoce a la banda tan bien, no les habla a los fans como quieres que le hablen, o simplemente no tiene interés. Acaba siendo muy frustrante, espero que las cosas cambien pronto.